6º

Hermanos Lumière

En 1895 los hermanos Lumière patentaron el cinematógrafo, artefacto con el que lograron imágenes en movimiento que se podían visionar en lugares públicos y espaciosos. Nació lo que poco después vino a llamarse Cine.

Es sabido que el kinetoscopio del estadounidense Thomas Alva Edison permitía ya por esa época el visionado de imágenes en movimiento.

Cinematógrafo

El interés de los hermanos Lumière por las «fotografías animadas» se despertó cuando, en 1894, su padre les trajo de París el kinetoscopio de Edison, incómodo aparato en el que era necesario aplicar el ojo a un visor para poder contemplar una película. Ambos hermanos pensaron de inmediato en los enormes beneficios que supondría un aparato capaz de proyectar aquellas imágenes sobre una pantalla. Para obtener fotografías animadas sobre una pantalla era necesario hacer pasar la banda de imágenes ante una linterna mágica.

Nació entonces el cinematógrafo y Louis Lumière no tardó en aplicar sus conocimientos artísticos sobre la fotografía al rodaje del que habría de ser el primer film de la historia del cine: La salida de los obreros de la fábrica.

Meses después, el 28 de diciembre de 1895, los espectadores se asustaban ante la locomotora que se les venía encima en el café del Grand Hotel de París.

Pero estas imágenes quedaban desangeladas y con cierta carencia. Así que pronto se añadió música de fondo para reforzar las imágenes en las distintas escenas así como para disminuir el ruido molesto del proyector; música que normalmente se ejecutaba en directo por un pianista en la sala o bien una pequeña orquesta de cuerda. Posteriormente se comenzó a componer música para las películas en cuestión. A partir de los años veinte se realizan piezas que se asocian a un tipo de escena, de forma que la misma obra sirve para ambientar en distintas películas pasajes de miedo, guerra, intriga, amor, tristeza, etc. Incluso se editaban recopilaciones de estas composiciones para uso de los intérpretes.

Así se usaba el órgano wurlitzer (a partir del minuto 8)

2. EL NACIMIENTO DEL CINE SONORO. LA BANDA SONORA.

Charles Pathé combinó fonógrafo y cinematógrafo, llegando a fabricar unas 1900 películas cantadas. También en la misma época, Léon Gaumont desarrolló un sistema de sonorización de films parecido, que presentó en la Exposición Universal de París de 1902.

Pincha para ver una escena

En 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer), considerada la primera película sonora de la historia del cine puesto que incluía algunos minutos de diálogo sonoro. Hacia 1930 el triunfo del cine sonoro sobre el mudo era un hecho.

Actividades:

Pincha aquí para escuchar el famoso tema de la película.

Cantando bajo la lluvia: Una película que describe con bastante precisión lo que sucedió el 6 de agosto de 1926, cuando se estrenó en el Warner Theatre de Nueva York el film Don Juan (Primera película que incluía sonidos sincronizados).

En esta escena se refleja algunos de los problemas a los que se enfrentaron los directores al trabajar con actores del cine mudo.
¿Podrías escribir cuáles fueron?

Tiempos modernos:
Entre el cine mudo y el sonoro(pincha)

Tiempos modernos es una mezcla entre el cine mudo y el sonoro; a veces es considerada como la última película muda de la historia. Se emplearon algunos efectos auditivos, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final puede oírse brevemente la voz de Charles Chaplin. Y es la primera película en la que se escucha su voz. El actor canta una versión de la canción de Léo Daniderff «Je cherche après Titine», pero con una lengua inexistente, conocida como «Charabia», cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés (wikipedia).

Opina:

El hecho de que en la canción las palabras no tengan sentido ¿Es una reivindicación del gesto (cine mudo) frente a la palabra (cine sonoro)?

El gran dictador:

sincronización de música e imagen

(pincha)

El gran dictador (en inglés The Great Dictator) es una película estadounidense de 1940 escrita, dirigida y protagonizada por el británico Charles Chaplin. Chaplin era el único cineasta en Hollywood que seguía realizando películas mudas cuando el sonido ya estaba plenamente implantado en el cine, y esta fue su primera película sonora y la de mayor éxito.

En esta escena vemos las posibilidades cinematográficas que ofrecía para la comedia la sincronización de imagen y sonido: Chaplin afeitando al ritmo de la danza húngara nº 5 de Brahms, demostrando a su vez su faceta musical.
Describe en un pequeño texto cómo crea la sincronización imagen-sonido una situación cómica.

Vamos a ver el siguiente documental sobre la sonorización de películas de animación

Documental: La sonorización de las películas

Pincha para ver el documental

La Banda sonora original (en inglés Original Soundtrack, OST), a veces simplemente conocido como soundtrack, como también se la conoce muy a menudo en el argot cinematográfico, o simplemente banda sonora -significando en este caso alguna versión o parte- es el conjunto de palabras, sonidos y música que acompaña a una película. Puede ser de tres tipos: magnética, óptica o digital. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de una manera parecida a como lo haría un lector de cassettes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta del film. Las distintas intensidades de luz, se convierten en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.Actualmente se utiliza el sonido digital. (Wikipedia)
Como ves, la banda sonora está integrada por tres elementos:
- La música, ... ¿Cuáles son los otros dos?.
-¿Sobre cuál de ellos versa el documental que has visto?

Clica en la imagen para
acompañarte con una base

Partitura para flauta:

Carros de fuego (Vangelis)

(Haz clic en la imagen para acompañarte con una base)

Aquí la partitura a una voz

Aquí la partitura a dos voces

Evangelos Odysseas Papathanassiou, más conocido como Vangelis (1943), es un famoso teclista y compositor griego de música electrónica, orquestal, ambient, new age y rock progresivo.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner (1982) y 1492: La conquista del paraíso (1992). Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionalmente instrumentos acústicos .(Wikipedia)

3. EL LEITMOTIV EN EL CINE.

En música llamamos leitmotiv a un tema o melodía que se asocia a una persona, cosa o idea particular dentro de un drama. Esta asociación se establece con la primera aparición o mención de la persona, cosa o idea. Además, cada vez que aparece el leitmotiv, no solo identifica la persona u objeto al que representa sino que lo caracteriza puesto que la melodía suele aparecer en cada momento variada o matizada: el leitmotiv tiene una función narrativa dentro de la historia en la que se inserta. Y para cumplir plenamente esta función el leitmotiv debe ser claramente reconocible, encarnar musicalmente a su significado y permitir múltiples variaciones con función narrativa.
Veamos dos de los ejemplos más célebres: el leitmotiv de Tiburón y el de Desayuno con diamantes.

Analicémos uno de los leitmotiv más célebres de la historia del cine:

“Jaws” compuesto por John Williams para la película homónima de Steven Spielberg.

Análisis del tema como leitmotiv.

Haz click para escuchar la versión orquestal de Jaws

Haz click para escuchar el tema con la partitura

Características que hacen de este tema un buen leitmotiv para Jaws:

Melodía en los registros graves (contrafagots y contrabajos) que connota:

Algo pesado, grande.
Algo que proviene de abajo, en este caso de las profundidades (nosotros estamos en la superficie).

Progresivo Accelerando y Crescendo que connota:

Algo que progresivamente se acerca.
Acumulación de inercia o velocidad (con una locomotora que se pone en marcha poco a poco y ya no hay quién la pare).

Acordes desplegados en las trompas, que connotan:

Caza, puesto que las trompas se usan en la caza.
Alerta, peligro.
También pueden recordar a los silbidos de una locomotora.

Uso de la percusión y ritmos sincopados y acentos en lugares inesperados que connotan:

incertidumbre,
desasosiego, no somos capaces de adivinar dónde vendrá el siguiente acento, y metafóricamente no somos capaces de saber cuando aparecerá el tiburón.

Por último, su gran simplicidad (mi-fa-mi-fa ....) lo hace perfectamente reconocible.

Examinemos ahora las apariciones del tema, como leitmotiv, en la película y su función narrativa.(Haz clic en las imágenes para ver la escena)

1ª aparición del leitmotiv

La asociación Tema=Tiburón se produce en la primera escena de la película, cuando, en una playa solitaria por lo intempestivo de la hora, una joven toma un baño mientras su pareja la espera en la orilla. Aquí el tema (mi-fa-mi-fa…) tan solo se insinúa: no sabemos exactamente qué ha pasado, así que no sabemos exactamente cómo sonará el leitmotiv.

2º aparición del leitmotiv

Ya conocemos que existe una amenaza, ahora queda mostrarla en toda su naturaleza. En esta escena aparece desarrollado plenamente el tema-leitmotiv y el espectador lo asocia definitivamente con una amenaza mortal (que aún no ha concretado visualmente).

3º aparición del leitmotiv

El tema vuelve a sonar pero variado y más suavizado. No hay heridos. Parece que la amenaza no es tan grande.

Falsa alarma

En esta escena nos queda claro que si no oímos el leitmotiv no hay tiburón, por mucho revuelo que se forme, (en esta otra escena al menos no hay amenaza mortal).

Siguientes aparaciones.

I, II, III.

En las siguientes apariciones tenemos variaciones sobre el tema que matizan y dosifican la amenaza del tiburón. Ahora nos queda claro que el leitmotiv no refiere directamente al tiburón sino a la amenaza que éste supone en cada momento.

Actividad

Haz click para ver el video

Aquí tienes un análisis de tema Moon river (Henry Mancini) y su función como Leitmotiv en la película “Desayuno con diamantes” (Blake Edwards).

Aquí la partitura para flauta.

4. MÚSICA Y EMOCIONES.

La principal intención de la música en el cine es la de despertar ciertas emociones en el espectador. En este sentido, la música es un instrumento para manipular las respuestas emotivas del público.

Ejemplos de esto los encontramos de forma más explícita en las películas de suspense o terror donde se juega con las reacciones del espectador a sonidos chillones o estridentes. El arquetipo es “Psicosis”, de Albert Hitchcock, en la escena de la ducha, cuando los golpes de arco en las cuerdas crispan la escena hasta límites antes no vistos en uno de los temas más conocidos de la historia de la música para cine : “The murder” de Bernard Herrmann.

Otro ejemplo, pero totalmente opuesto, lo encontramos en la película Memorias de África (Sidney Pollack). Su banda sonora, compuesta por John Barry, genera también fuertes sentimientos, pero en este caso, de carácter romántico: la música, “Flying over Africa”, con una melodía de amplio aliento, crea el momento más emotivo del film.

Finalmente, mencionaremos otro gran tema: La pantera rosa de Henry Mancini. En este caso, el tema, que está omnipresente en los Sketchs de estos dibujos animados, pretende despertar en nosotros un estado de ánimo concreto: el buen humor.

Actividad 1.

Visiona el siguiente vídeo y comenta con tus compañeros si demuestra o no la importancia de la música en la generación de emociones.

Actividad 2.

Comprueba por ti mismo el poder de la música sobre las imágenes.
¿Qué crees que está pensando?

5. MÚSICA ORIGINAL Y ADAPTADA.

Cuando hablamos de Bandas sonoras podemos distinguir dos tipos dependiendo de la intención con la que se compuso la música:

Banda sonora original (BSO): Música compuesta ex profeso para una película con la finalidad de contribuir al desarrollo dramático de la obra en cuestión. Normalmente está sincronizada y subordinada a las imágenes para cumplir servilmente su función.
Banda sonora adaptada (BSA): Música preexistente e independiente de la película en la que aparece y que se ha incluido en el film por deseo del director. En este caso no hay sincronización con las imágenes y la música se ha compuesto al margen de la trama dramática de la película.

Las Bandas Sonoras Adaptadas no son frecuentes y exigen, cuando se usan, una gran intuición musical por parte del director de cine. Por su maestría, podemos comentar dos casos destacados en el uso de BSA: Stanley Kubrick en la música clásica y Quentin Tarantino en la música popular moderna.

Stanley Kubrick es el maestro, siempre genial, de la Banda sonora adapta. Muchas de las escenas más memorables del cineasta lo son en gran medida gracias al acierto en la elección de la música : Schubert-Haendel/Barry Lyndon, Beethoven/La naranja mecánica, Shostakovich/Eyes wide side, etc.
Destaca la película 2001 una odisea en el espacio con su tríada (haz clic en las imágenes):

Richard Strauss, Así habló Zaratrusta

Johann Strauss, Danubio azul

György Ligeti/Requiem-Lux aeterna-Atmosphères

Quentin Tarantino es otro ejemplo de cómo usar una banda sonora adaptada

6. LOS PRINCIPALES COMPOSITORES DE BANDAS SONORAS.

1908, los comienzos,

año en el que se compone música específicamente pensada para dar intensidad lírica o dramática a las imágenes de una película, o lo que hoy llamamos banda sonora original (BSO).

Charles Chaplin. La quimera del oro 1925

1927: El cine sonoro

El 6 de octubre de 1927 se estrenó El cantor de jazz (The Jazz Singer, música de Louis Silvers), considerada la primera película sonora de la historia del cine

Años 30

La música de cine se profesionaliza, destaca Max Steiner

Años 40

Durante esta época, Max Steiner sigue trabajando y perfeccionan el nuevo género musical junto con nuevos músicos venidos de distintos ámbitos: De la comedia musical de Broadway llegaban Alfred Newman, Herbert Stothart o Roy Webb.

Max Steiner

Herbert Stothart

Años 50

Destacan Alfred Newman y un Bernard Herrmann que comienza a despuntar en su colaboración con otros genios como Orson Welles y Alfred hitchcock. Max Steiner sigue componiendo destacadas bandas sonoras.

Años 60

Época dorada de la música para cine, con destacadas figuras que traerán nuevos aires a la música para cine, como Henry Mancini, John Barry, Ennio Morricone y Maurice Jarre. Por otra parte, la música para cine entra en el mercado y los estudios fomentan la composición de temas pegadizos y comercializables en forma de canción.

Henry Mancini (Desayuno con diamantes)

Henry Mancini (La pantera rosa)

John Barry

Ennio Morricone

Maurice Jarre

Años 70

Siguen componiendo los autores de décadas pasadas, pero destaca por encima de todos John Williams y sus novedosas orquestaciones.

John Williams

Nino Rota

En esta década decae la BSO clásica en pos de canciones del ámbito de la música pop que en muchos casos no se ajustan a la trama dramática de la película pero que resultan rentables como promoción y comercialización del film

Mike Olfield .

Bee Gees

Varios artistas

Años 80 Autores como Vangelis, Maurice Jarre y Ryuichi Sakamoto introducen el sintetizador en las bandas sonoras aunque la música de orquesta continúa en alza, con John Williams y Jerry Goldsmith a la cabeza.
Vangelis: Carros de fuego (1981)	Vangelis: Blade Runner (1982)
Ryuichi Sakamoto: El último emperador (1987)	John Williams: Indiana Jones (1981)	John Williams: E.T. El extraterrestre (1982)	John Barry: Memorias de África (1985)
Ennio Morricone: La misión (1986)	John Williams: El imperio del Sol (1987)	Ennio Morricone: Cinema Paradiso (1988 )




Años 90 Toma de nuevo fuerza la costumbre de los 70 de tomar canciones de la música pop que en principio no se componen atendiendo a las exigencias del guión.
	The Righteous Brother Ghost (1990)	Roy Orbison/Bill Dees Pretty Woman (1990)	Dolly Parton El guardaespaldas (1992)
Bruce Springsteen Filadelfia (1993)	Dick Dale/Canción Popular griega Pulp Fiction (1994)	Reg Presley/Wet,wet,wet Cuatro bodas y un funeral(1994)
Pero simultáneamente la composición de BSO sigue saludable con autores de la década anterior o recién llegados como Mark Mancina o David Arnold,
James Newton Howard: Pretty Woman (1990)
			Alan Silvestri: Forrest Gump (1992)
Vangelis: 1492: la conquista del paraíso (1992)	Trevor Jones/R. Edelman El último Mohicano (1992)	John Williams: Parque Jurásico (1993)	John Williams: La lista de Schindler (1993)
Michael Nyman El piano (1993)	Hans Zimmer: El rey león (1994)
James Horner: Titanic (1997)	Nicola Piovani La vida es bella (1997)
Siglo XXI La música para cine sigue gozando de buena salud en nuestro recién estrenado siglo. Continúan componiendo autores de décadas pasada como el ya clásico John Williams o compositores más jóvenes como James Horner, Hans Zimmer, James Newton Howard, Alan Silvestri y Danny Elfman. El algunas películas la música acompaña durante todo el metraje casi a la manera del cine mudo como en el maridaje Hans Zimmer-Christopher Nolan, y, en muchos compositores, los sonidos percutidos ganan protagonismo en la música sinfónica. Además, comienzan a sonar nombres como Alexandre Desplat, Mark Mancina, Harry Gregson-Williams, Klaus Badelt , Craig Armstrong o John Debney.
Hans Zimmer: Gladiador (2000)		Harry Gregson-Williams Shrek (2001)	Howard Shore: El señor de los anillos (2001)
Yann Tiersen Amelie (2001)			John Williams: Harry Potter (2001)




T
		Mark Mancina Vaiana (2016)	Justin Hurwitz: La la land (2016)